HONEBANA e SHINSEKAI [TOUMEI HYOUHON]

A principio, o título pode levar vocês a imaginar um novo mangá ou anime... Mas a postagem de hoje é sobre artes.

HONEBANA 骨花 (Flor de Osso) e Shinsekai [Toumei Hyouhon] 新世界『透明標本』(Novo mundo [Espécie Transparente]) são projetos bem diferentes de dois jovens artistas japoneses. Pode-se dizer que eles trabalham de forma no mínimo interessante e esteticamente atraente a morte ou seus produtos.

HONEBANA

 Lótus

Flor de Cerejeira

SHINSEKAI [TOUMEI HYOUHON]

Rikugame

Jackson Chameleon

Em HONEBANA, Tokushige Hideki trabalha com a criação de esculturas de flores utilizando ossos. O trabalho é dividido em quatro etapas:

Tirar os ossos
Fazer flores
Capturar imagens
Quebrar as flores e retorná-las à Terra

Tokushige utiliza ossos e pele de ratos mortos que são vendidos em petshops para servirem de alimento para animais de estimação.
Mas, qual o motivo para utilizar um material tão singular?
Em um depoimento sobre seu trabalho, explica que a relação entre humanidade e ossos de animais como material de trabalho é algo que remonta ao começo de tudo. Comenta que os humanos costumavam fazer ferramentas e ornamentos de ossos e trabalhar com elas. Que nosso mundo é um mundo de produção e sempre foi.
Lembra também que flores são utilizadas para homenagear os mortos desde muitos séculos atrás. O ser humano consome carne e utiliza-se da pele de outros animais há séculos, mas os ossos não tem mais sido vistos no dia-a-dia, ainda assim voltaremos todos a ser apenas ossos e acabaremos voltando a ser parte da terra.
O rato congelado, que termina sua vida em uma gaiola estéril e que servirá de alimento para um animal de estimação, representaria também um senso de nossa visão moderna da natureza e da vida.


Já em SHINSEKAI [TOUMEI HYOUHON], Iori Tomita trabalha com corpos de animais mortos, deixando suas carnes e peles transparentes e seus ossos e cartilagens de cores vibrantes utilizando enzimas.
O trabalho de Tomita pode levar semanas para ser concluído, dependendo da complexidade e do tamanho do animal em questão.

Sobre seu trabalho, Tomita diz:
Eu crio espécimes transparentes como peças de trabalho que ajudam as pessoas a se sentir mais perto das maravilhas da vida.
As pessoas podem olhar para os meus espécimes como material acadêmico, uma obra de arte, ou até mesmo uma entrada para a filosofia. Não há limitação de como você interpretar seu significado.
Eu espero que você encontre no meu trabalho uma "lente" para projetar uma nova imagem, um novo mundo que você nunca viu antes.

Quer saber mais sobre estes artistas e seus respectivos trabalhos? Acesse os sites oficiais (disponíveis em Japonês e Inglês):

HONEBANA
Shinsekai [Toumei Hyouhon]

fontes: respectivos sites oficiais
fotos: respectivos sites oficiais

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Shodô

Shodô (書道) é a arte sino-japonesa da escrita, "sho" significa caligrafia e "do", caminho. Essa arte tem origem no budismo e é considerado um caminho meditativo para o auto-conhecimento.

Também conhecida como arte de transformar caracteres orientais em expressão artística. A arte existe há mais de 1,5 mil anos.

Quem pensa que a caligrafia japonesa é passatempo somente para idosos, se engana. No país, há até jogo para treinar a escrita oriental em videogames portáteis. É um dos jogos mais vendidos no arquipélago.

Os principais caracteres utilizados na prática do shodô é o kanji (no Japão) ou hanzi (na China). Sua origem remonta ao século I.300 a.C., durante a dinastia Yin. Entretanto, os caracteres sofreram várias modificações ao longo do tempo.

Essa arte é produzida através da escrita com o sumi (tinta preta) e um pincel, sobre papel, utilizando caracteres japoneses ou chineses. A arte da caligrafia é considerada uma metáfora para a própria vida, assim, alternam-se pinceladas fortes com outras mais delicadas, variando o efeito conforme a velocidade, a cor da tinta, a pressão sobre o papel, o intervalo entre traços e o próprio material utilizado.

Não há retoques, esboços ou correções em uma peça de shodô, pois mesmo o "borrão" ou os espaços "falhos" sobre o papel poderão ser vistos como parte de uma totalidade, desde que haja um equilíbrio natural entre os caracteres e a composição como um todo, pois é justamente na sutileza em alguns trechos e na intensidade em outros, que está localizado o sentido estético do shodô.

Fonte: Anime Shibuya

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Tokyo Hotaru Festival 2012

Vaga-lumes já foram muito comuns em todo o Japão, inclusive no rio Sumida que atravessa o centro da cidade de Tóquio, a capital do Japão. Durante o período Eda, era muito normal pessoas brincarem de caçar vaga-lumes em noites de verão a beira do rio. Os vaga-lumes existiam em grandes quantidades e davam um verdadeiro show de luzes.

Mesmo que procure por eles, são poucos os locais onde é possível achar estes incríveis insetos pela noite no Japão. No dia 6 de Maio deste ano ocorreu um evento intitulado "Uma Sinfonia de Luz Criada pelo Rio e as Árvores", no qual cerca de 100 mil lâmpadas de LED que armazenam energia solar - chamadas Inoriboshi (Estrelas que Oram) - foram liberadas no rio Sumida. Elas representariam os vaga-lumes que costumavam existir ali e chamariam a atenção para a coexistência humana com a natureza.
As lâmpadas foram cedidas pela Panasonic, que diz que as mesmas foram feitas para ligar em contato com a água. Elas foram recolhidas por redes mais tarde.

Este evento fez parte de um ainda maior, o Tokyo Hotaru Festival 2012, Festival de Vaga-lumes de Tóquio 2012, que ocorreu dias 5 e 6 de Maio. O festival fez uso da área ao redor do rio Sumida na parte central da capital e o próprio rio como palco para atrações artísticas e religiosas, dentre as quais pode-se citar simpósios e desfiles com templos portáteis, mini-concertos, performances e etc. organizados por crianças e estudantes da Universidade Nacional de Belas Artes e Música de Tóquio.

O evento possuiu áreas pagas e livres de custo, tendo atrações para todos os públicos, no site oficial o organizador do evento diz que o dinheiro (ou parte dele) vai para os fundos de reparação do rio e proteção ambiental do mesmo.

O site oficial do evento é apenas em Japonês, mas você pode vê-lo aqui: http://tokyo-hotaru.jp/

Uma galeria de imagens pode ser vista no site também, para achá-la mais facilmente, podem acessar por este link: http://tokyo-hotaru.jp/collection/index.html

Segue dois dos vários videos feitos do evento disponíveis no youtube:

fontes:

Site oficial do Tokyo Hotaru Festival 2012: http://tokyo-hotaru.jp/
Site Spoon Tamago: http://www.spoon-tamago.com/2012/05/10/tokyo-hotaru-led-lights-sumida-river/
Site This is Collosal: http://www.thisiscolossal.com/2012/05/100000-led-spheres-flowing-down-a-japanese-river/
Fonte de Imagens: Site Oficial do Tokyo Hotaru Festival

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Tatuagem Tebori

Esse é o método usado para estampar os membros da Yakuza.

As tatuagens tradicionais japonesas são um emaranhado espetacular de um rico projeto. É uma arte que amadureceu até a perfeição.

Ela se originou de pinturas em blocos de madeira do antigo período  Edo (1804-1868). A técnica japonesa se chama tebori que quer dizer entalhar, gravar com as mãos.
Usa-se agulhas enroladas na ponta de uma vara de bambu para inserir tinta de
carvão vegetal na pele. A pele viva é a solicitação dessa  estética na qual a técnica tebori se desenvolveu dentro do chiaroscuro (claro-escuro), colorindo e sombreando a tatuagem japonesa que conhecemos.

No período mais recente   Edo (séc. XVIII), o Japão cresceu bastante, e foi nessa época que começou a surgir a tatuagem como uma forma de arte. Utilizando imagens de aquarelas tradicionais, pedaços de madeira e figuras de livros como modelos, e como recompensa de muita paciência e dor,  surgia uma belíssima tatuagem. Para entender a tatuagem japonesa é preciso conhecer sua história, e também continuar preservando as tradiçõs por traz delas

O Tebori é totalmente artesanal , demora muito e é bem trabalhoso, poucos tatuadores fazem esse tipo de procedimento no Brasil, é um metodo que a tecnologia ultrapassou mas que a tradição não deixa morrer. E é feita em diversas sessões.
Existem tatuadores que trabalham apenas com esse tipo de tatuagem e conseguem fazer verdadeiras obras de arte na pele e não deixam a perder em nada para as melhores máquinas do mercado. 

Fonte: Ainanas

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Sumie

A origem do sumie está nos mosteiros budistas da China durante a dinastia Sung (960-1274), com o nome de suiboku-ga (pinturas monocromáticas de tinta carbono). Ela foi levada ao Japão no século 14, cuja temática era essencialmente religiosa (zen-budista) representando elementos budistas como círculos (vazio interior) ou a natureza como rochas e águas.

A partir do século 15 (Período Muromachi), o sumie se impõe como arte independente marcada pelo surgimento de importantes artistas, como Sesshu, que criam uma linguagem japonesa. Sesshu utilizava a técnica conhecida como shumpo - pincelava com linhas grossas e exageradas junto com linhas finas e delicadas para produzir um efeito de tridimensionalidade.

O sumie possui traços semelhantes aos da caligrafia e usa praticamente os mesmos materiais (suzuri - recipiente para preparar a tinta; fude - pincel, papel; e sumi - tinta feita de fuligem de plantas e cola) e segue os mesmos princípios: pinceladas com grande controle e energia. E mais do que isso, muita concentração: a tinta não pode ser removida do papel ou alterada.

Sumie fotográfico.

Fonte: Fundação Japão

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Ukiyo-e

Ukiyo-e ("retratos do mundo flutuante"), conhecido também por estampa japonesa, é um estilo de pintura similar a xilogravura desenvolvida no Japão ao longo do período Edo (1603-1867). Foi uma técnica amplamente difundida através de pinturas executadas com o auxílio de blocos de madeira usados para impressão entre os séculos XVIII e XIX (fim do período Edo). Geralmente representava temas teatrais.

Ukiyo-e é escrito geralmente com os kanjis 浮世絵, que significam "retratos do mundo flutuante", mas no começo de sua utilização (século XVII) também era chamado de 憂き世絵 ("retratos do mundo triste"). Conforme as pinturas passaram a ser feitas cada vez mais para o entretenimento a forma "retratos do mundo flutuante" se tornou dominante.

Essa forma de arte cresceu em popularidade na cultura metropolitana de Edo (antigo nome de Tóquio) durante a segunda metade do século XVII, tendo se originado das obras monocromáticas de Hishikawa Moronobu na década de 1670. No começo só se usava "tinta indiana". Aprimorada em meados do século XVIII, porem acabou sendo adotada por Hozumi Harunobu que desenvolveu a técnica de impressão policrômica (Nishiki-ê).

O Ukiyo-e difundiu-se rapidamente devido à facilidade em ser produzido em massa. Suas obras eram adquiridas principalmente pelos comerciantes burgueses, que geralmente não eram ricos o bastante para encomendar uma pintura original. O tema original do Ukiyo-e era a vida urbana, especificamente atividades e cenas da área do entretenimento: belas cortesãs, lutadores de sumô e atores populares retratados quando ocupados em atividades interessantes. Mais tarde as paisagens também se tornaram populares. Assuntos políticos e os indivíduos da alta sociedade só apareciam raramente. O sexo não era um assunto evitado, ao contrário figurava constantemente nas pinturas do estilo. Os artistas e seus editores às vezes eram punidos por criar retratos particularmente explícitos, os chamados Shunga.

O Ukiyo-e é produzido ainda hoje e é influente de várias formas, inspirando, por exemplo, alguns mangás. (Desenhos em estilo ukiyo-e figuram, entre outros, nos mangás de Lobo Solitário e Filhote.

Desenhos de alguns dos principais artistas:

  

As cópias de Ukiyo-e eram feitas através dos seguintes passos:

    - O artista produzia um desenho matriz usando tinta;
    - Um assistente, então chamado de hikkō, criaria um traço (hanshita) do mestre;
    - Os artesãos colam esse desenho (hanshita) com a frente para baixo num bloco de madeira. Em seguida talham o bloco nas áreas onde o papel estava em branco, deixando o desenho invertido como uma cópia em relevo no bloco, mas eliminando o desenho original;
    - Este bloco era colorido e impresso, fazendo cópias próximas à exatidão do desenho original;
    - Estas cópias por sua vez eram coladas, com a frente para baixo em outros blocos e aquelas áreas da obra que deviam ser impressas em uma cor específica eram deixadas em relevo. Cada um destes blocos imprimiria ao menos uma cor no projeto final;
    - A combinação resultante dos blocos de madeira eram recoberta em cores diferentes e impressas sequencialmente no papel. A impressão final firma as impressões dos blocos anteriores, sendo que alguns podem ser impressos mais de uma vez para obter uma maior profundidade da cor.

  

 Aqui mesmo, no blog, já usamos figuras com desenhos no estilo Ukiyo-e para representar certo assunto (^_^)

Fonte: Wikipedia

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Exibição de artes de Ashura Benimaru Itoh

Ashura Benimaru Itoh(伊藤 紅丸- foto acima) é um artista,ilustrador,designer,diretor e todas as suas obras são bastante diferentes e muito impressionantes e hoje trouxe algumas fotos das obras, para vocês conhecerem o belíssimo trabalho dele,confira: 

Fonte:8tokyo.com

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Shibu

 

Em português shibu é traduzido como dança do leque, mas é exatamente um termo japonês usado para referir-se a dança que acompanha o shiguin, apresentação que se integra à música e à recitação de um poema. O dançarino ou dançarina costuma usar um leque para acompanhar a sua movimentação. Confira abaixo uma apresentação:

Fonte: cultura-japonesa

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